Héroïnes romantiques (Paris, Musée de la vie romantique, avril-septembre 2022) – Repenser les imaginaires collectifs d’un modèle féminin sacrifié

Ce texte est une version plus longue de ma recension parue dans la section « Le XIXe siècle en expositions » de la revue Le Magasin du XIXe siècle (n°12, C’est la fête !, 2022, p. 169-171).

Alexandre-Évariste Fragonard (1780-1850), Jeanne d’Arc sur le bûcher, 1822, huile sur toile, musée des beaux-arts, Rouen. / © Agence Albatros/Réunion des Musées métropolitains Rouen Normandie.

Dans l’avant-propos du catalogue de l’exposition Héroïnes romantiques, Gaëlle Rio dit vouloir, par cet événement et cette publication, porter « un autre regard sur le romantisme » et « une autre manière d’en faire le récit ». C’est bien ce qui est en jeu dans le parcours proposé dans les salles du musée de la vie romantique – un autre rapport à l’histoire de l’art et de la littérature. L’exposition travaille à envisager un « imaginaire collectif » comme indiqué sur la couverture du catalogue. Ce faisant, elle valorise non seulement les grands noms, mais aussi les artistes moins connu.es qui ont participé à la diffusion de ces idées et images. Elle montre des œuvres d’hommes ainsi que de femmes, des objets issus des beaux-arts et d’autres diffusés à grande échelle, elle mêle littérature et culture visuelle pour nous aider à saisir les contours de ces héroïnes romantiques, les enjeux qu’elles révèlent et dont nous sommes aujourd’hui encore, dans une certaine mesure, les héritiers et héritières.

La première salle de l’exposition, aux murs rouges et au titre doré, joue avec l’origine de cet espace, bibliothèque et lieu de convivialité du peintre Ary Scheffer. Autour des livres, du piano et du poêle, entre une copie du buste de la Vénus de Millo et celui de George Sand, la tension entre mythe et histoire et le regard masculin – parfois porté par des femmes – qui construisent les héroïnes romantiques du passé est interrogée. L’œuvre qui ouvre l’exposition et le siècle est l’huile sur toile Sapho à Lécate d’Antoine-Jean Gros (1801) placé à côté d’un relief en plâtre de Marie d’Orléans, La Rencontre d’Ahasvérus et Rachel, d’après le récit de Quinet (1834). Au-dessus des deux œuvres, une citation extraite du poème de Sapho d’Alphonse de Lamartine (1815) évoque un destin fatal et tragique. Elle est mise en tension avec une citation d’Hortense Allart, inscrite sur le mur lui faisant face : « […] si la femme a su faire le commerce ; dominer sa famille ; si elle est reine et guerrière, peut-on lui contester le droit de faire le commerce, de dominer sa famille, d’être reine et guerrière ? » (La femme et la démocratie de nos temps, 1836). Ce premier moment pose ainsi ce qui sera développé tout au long des salles : la diversité des techniques convoquées, la mise en valeur d’artistes femmes, l’agentivité des femmes face à ces imaginaires.

En plus d’encarts présentant les héroïnes et leur histoire, des cartels développés quasi-systématiques montrent la richesse et l’ampleur du propos – ainsi celui sur La Mort de Cléopâtre de Jean Gigoux (1851) porte sur l’iconographie et le prétexte historique choisi pour déployer un nu et une érotisation de la douleur tandis que celui sur La Mort d’Antigone de Victorine Genève-Rumilly (2ème quart du XIXe siècle) retrace le parcours d’une artiste méconnue. Pour l’huile sur bois Marie Stuart quittant la France du peintre belge Edouard Hamman (1863), le cartel identifie un autre type de source, la chanson, et plus particulièrement celles de Pierre-Jean de Béranger. L’inscription des œuvres dans l’histoire de l’art est évoquée pour Jeanne d’Arc conduite en prison à Rouen de Claudius Jacquand (1827) en citant les artistes qui l’ont précédé sur ce thème et pour La Lecture de la sentence de Marie Stuart d’Eugène Devéria (1826) par la réception critique. L’association entre la créatrice et son modèle est évoquée pour le bronze Jeanne d’Arc en prière de Marie d’Orléans (1837). Dans les vitrines de la bibliothèque, des sculptures d’édition, ornant les cheminées des intérieurs bourgeois, ainsi que des exemplaires de livre illustrés ou non et une gravure sur bois coloriée de l’imprimerie Pellerin retraçant l’histoire d’Héloïse et Abailard mais aussi la mention de la diffusion par l’estampe du tableau Jeanne d’Arc sur le bûcher d’Alexandre-Evariste Fragonard (1822) montrent comment ces récits et images circulent au sein des différentes classes sociales, permettant véritablement d’identifier un imaginaire collectif.

Le second espace est l’occasion de remettre en cause l’essentialisme qui voudrait que les femmes soient naturellement et fatalement douces, aimantes et fragiles en s’intéressant à la violence de certaines héroïnes du passé lointain ou proche, révolutionnaire. Leur transgression des limites imposées à leur sexe fascine les artistes. Julia Margaret Cameroun met ainsi en scène Beatrice Cenci, parricide du XVIe siècle, tandis que Henry Scheffer représente l’arrestation de Charlotte Corday et Ary Scheffer l’exécution de Madame Roland. Eugène Delacroix représente, par une touche expressive, l’intensité du personnage infanticide de Médée et Félicie de Fauveau, en accord avec ses idées contre-révolutionnaire, donne à voir le refus de grâce de Christine de Suède, héroïne royale, œuvre dont s’inspirera Alexandre Dumas pour sa pièce Christine.

Dans la salle basse du grand atelier d’Ary Scheffer, dans une pièce aux murs vert, les héroïnes de fiction sont mises à l’honneur. L’héritage de William Shakespeare et sa réception en France, notamment par Delacroix, sont d’abord envisagés. Desdémone, Lady Macbeth, Juliette et Ophélie cèdent la place aux créations contemporaines de Virginie par Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre, représentée morte par Edme Alexis Alfred Dehodencq en 1849, et d’Esmeralda par Victor Hugo, représentée sauvée par Quasimodo par Eugénie Henry en 1832. Elles sont toutes les femmes qui mènent à Emma Bovary, héritière de ces créatures de papier évoquée par une citation au mur placée au-dessus d’un espace d’écoute de textes tant d’auteurs que d’autrices lus par Marie-Dominique Bayle. Les héroïnes de Chateaubriand précèdent ensuite celles de George Sand. Cette dernière est elle-même présentée comme héroïne de la littérature par l’accrochage de son portrait en costume d’homme réalisé par Eugène Delacroix (1834) et placé à côté d’un pastel de ce même artiste représentant la dernière scène de Lélia et offert à l’autrice comme marque de respect et d’amitié. Ce dernier mur insiste visuellement sur l’importance des créatrices. L’huile sur toile Mathilde et Malek-Adhel au tombeau de Montmorency (1814) peinte Rosalie Caron et inspirée de Sophie Cottin est placée au centre. La démonstration s’achève par La Liseuse de Charles Steuben (1829), en diagonale de la mention d’Emma Bovary et nous guidant naturellement vers la vitrine centrale présentant les ouvrages.

Les œuvres complètes de Sophie Cottin dont un livre ouvert présentant son portrait montrent l’importance de cette autrice prolifique et populaire. Le lien entre les héroïnes mythiques et littéraires se fait par Corinne ou l’Italie de Germaine de Staël (1807), Corinne étant décrite comme une « Sapho moderne ». Le premier roman d’Aurore Dupin signé George Sand en 1832, Indiana, est mentionné par une version illustrée de 1855 et accompagné d’une citation de l’autrice de 1842 évoquant son positionnement en tant que femme : elle a écrit ce roman « avec le sentiment non raisonné, mais profond et légitime, de l’injustice et de la barbarie des lois qui régissent encore l’existence de la femme dans le mariage, dans la famille et dans la société ». La présentation du manuscrit de Consuelo (1843) est l’occasion d’évoquer la femme réelle qui l’a inspiré, Pauline Viardot, tandis que l’exposition de La Galerie des femmes de George Sand de Paul Lacroix avec des gravures de John Henry Robinson (1843) montre comment ces héroïnes romantiques ont été regroupées dès le XIXe siècle. De l’autre côté de la vitrine, est présenté le roman Ourika de Claire de Duras (1823), « première grande héroïne noire de la littérature ». Aucune œuvre visuelle ne l’évoque, et l’on peut le regretter bien que le cartel mentionne la rareté de ces représentations. Le dernier livre ouvert, Souvenirs du théâtre anglais à Paris de François Jean-Moreau (1827), évoque les représentations des pièces de Shakespeare auxquelles se rendaient aussi Berlioz, Dumas et Delacroix et annonce la dernière salle de l’exposition consacrée à l’incarnation des héroïnes par des femmes contemporaines.

Les murs bleus de la dernière partie nous projettent sur la scène – c’est d’ailleurs ce qu’indique le papier peint recouvrant l’un des murs et représentant les spectateurs et spectatrices d’un théâtre ou opéra. La tragédienne Rachel, tantôt Phèdre, tantôt Cléopâtre, est représentée à l’huile, au crayon et en marbre tandis que les portraits de l’actrice Harriet Smithson, grande interprétatrice de Shakespeare, et de la cantatrice Henriette Sontag sont réalisés sur des vases de porcelaine. Leur imagine est diffusée autant que celle des héroïnes qu’elles incarnent, se confondant souvent. Ainsi, la danseuse Marie Taglioni devient la Sylphide qu’elle interprète par le regard de peintres, graveurs et sculpteurs. Quelques marches en bois créent une scène pour accueillir la reconstitution du costume conçu par Eugène Lami et porté par Gislaine Thesmar lorsqu’elle incarnait la Sylphide, nous plaçant au plus près de la matérialité de ces imaginaires incarnés. Nous sommes enfin invité-es à devenir spectateurs et spectatrices de ces héroïnes en mouvement par un espace de projection. Ghislaine Thesmar danse la Sylphide avec Michael Denard en 1980, Isabelle Hupert est Emma Bovary dans le fim de Claude Chabrol de 1991 et la mise en scène de La Traviata par Simon Stone en 2019 évoque l’inscription contemporaine de ces imaginaires : l’héroïne romantique porte un jogging gris et scroll le fil Instagram de son amour perdu.

L’exposition est prolongée par un riche catalogue dirigé par Gaëlle Rio et Elodie Khun et composé de trois parties qui comptent des textes de conservateur.rices, doctorante, professeur.e et maître.sse de conférence en histoire, en littérature, attaché.es de conservation, docteur en droit, montrant ainsi la diversité des approches souhaitées par les commissaires au-delà des murs du musée. L’avant-propos explicite clairement la démarche et une définition précieuse du concept d’héroïne est élaborée. Dans la premières parties, le contexte de création et de diffusion des figures héroïques est retracé – on retrouve ainsi Héloïse, Sapho, Cléopâtre, Jeanne d’Arc, Ophélie, Atala et Velléda, Esmeralda et Ourika – tandis que les « grands traits » qui les caractérisent sont également définis – de l’amour impossible à leur teint souvent diaphane. La seconde partie s’intéresse aux artistes, autrices, danseuse et actrice qui donnent vie à ces figures, mettant ainsi en avant d’autres héroïnes prolongeant les premières – Marie d’Orléans, Félicie de Fauveau, Sophie Cottin, George Sand, Fanny Elssler et Rachel. Enfin, la dernière partie porte sur le contexte socio-historique de ces années romantiques et sur les figures contemporaines engagées pour les droits des femmes – Jeanne, Sophie Grangé et Flora Tristan.

Autre complément de l’exposition notable et appréciable, le podcast Vénus s’épilait-elle la chatte ? de Julie Beauzac consacre un épisode à cette présentation, mettant en exergue des thèmes sous-entendus dans le parcours comme l’hétéronormativité de ces imaginaires. Cette dernière ressource nous fait saisir pleinement l’importance des imaginaires étudiés et prendre la mesure de leur portée politique ainsi que de leur participation à la construction de notre réalité.

Par ce travail d’analyse précis, ample et rigoureux, l’exposition Héroïnes romantiques et ses prolongements permettent de révéler le sacrifice des femmes qui est alors imaginé et de le déjouer en leur donnant leur juste place dans l’histoire, l’histoire de l’art et la littérature.

Charles de Steuben (1788-1856), La Liseuse, 1829, huile sur toile, 61,3 x 50,8 cm, Musée d’arts de Nantes, France / © Musée d’arts de Nantes photo © RMN-Grand Palais / Gérard Blot


Citer ce billet
Mathilde Leïchlé (2023, 3 janvier). Héroïnes romantiques (Paris, Musée de la vie romantique, avril-septembre 2022) – Repenser les imaginaires collectifs d’un modèle féminin sacrifié. À l'ombre des jeunes filles en feu. Consulté le 17 avril 2024, à l’adresse https://doi.org/10.58079/cwg6

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *

Ce site utilise Akismet pour réduire les indésirables. En savoir plus sur comment les données de vos commentaires sont utilisées.

Rechercher dans OpenEdition Search

Vous allez être redirigé vers OpenEdition Search